Някои от най-красивите произведения на изкуството, представящи страстите Христови

Ако тръгнем по стъпките на великденските произведения на изкуството можем да  съпреживеем последните дни от земния живот на Исус: неговият безмилостен и мъчителен път към последната жертва, Тайната вечеря, размишлението в Гетсиманската градина, Страстите, чак до кръстната смърт и Възкресението. 

Може да се твърдим, че цялата история на западното изкуство е обобщена в поредица от важни събития, често свързани с Великден.

Разбира се, не става дума само за "известни" произведения на изкуството. Сред произведенията на изкуството, които бихме могли да считаме за безсмъртни, трябва да поставим "Пиета на Микеланджело", която представя момента, в който тялото на Христос е свалено от Кръста и поверено на любящата и болезнена прегръдка на майка му Мария. Не можем да не споменем и "Тайната вечеря" на Леонардо да Винчи.

От друга страна, съществува и богата традиция, свързана с изкуството и народните поклонения. Да си спомним за Великденските елхи, които се връщат към последните дни от живота и смъртта на Исус, свързани с традицията на Via Crucis и със свещените изображения от XIV в. Крайната цел на тези форми на народното изкуство винаги е една и съща: да обяснят чрез образи епизодите от живота на Исус или на Мария на онези, които не знаят латински, като по този начин разпространяват духовни послания, правейки ги достъпни за всички.

"Тайната вечеря" на Леонардо да Винчи и "Тайната вечеря" на Джото

"Тайната вечеря" на Леонардо да Винчи Снимка: iStock by Getty Images

"Тайната вечеря", която е последното хранене, консумирано от Исус с апостолите, за да отпразнуват еврейския Великден. Това е и поводът, по който Исус установява Евхаристията (тайнство, което в превод от гръцки означава "благодарение"), като разчупва хляба и поднася виното като Свое тяло и кръв на Своите събратя.

През изминалите векове множество художници са се опитвали да представят драматизма на този конкретен епизод: Исус вече знае, че ще бъде предаден и че на следващия ден ще бъде подложен на безкрайни мъчения. Знае, че един от верните му съратници ще го предаде, и го заявява публично, точно както заявява, че Петър ще се отрече от него три пъти. Това е обявена драма, която се преживява в лицата и позите на главните герои.

Първите изображения на Тайната вечеря се появяват още в ранните векове на християнството, в катакомбите на Рим. С течение на времето, особено в Средновековието и Ренесанса, сцената се утвърждава като централен мотив в християнската иконография. Но тя никога не остава застинала. С всяка нова епоха художниците влагат в нея не само библейския сюжет, но и въпросите на своето време.

Изкуството не просто илюстрира - то тълкува. Тайната вечеря се превръща в поле, където се срещат религия и философия, психология и символика, театър и мистика.

Несъмнено най-емблематичното изображение на Тайната вечеря е фреската на Леонардо да Винчи, създадена между 1495 и 1498 г. в трапезарията на манастира "Санта Мария деле Грацие" в Милано. Леонардо не просто изобразява сцена - той режисира драматургията ѝ. Улавя момента, в който Христос казва: "Истина ви казвам, един от вас ще ме предаде."

Учениците реагират - някои с ужас, други с възмущение, трети - със съмнение. Всеки жест, всяка ръка, всеки поглед разказва история. Юда е изобразен сред останалите, но леко отделен - в сянка, държащ кесия с пари. Христос е в центъра, сам, обграден от симетрия и светлина. Ръцете му сочат към хляба и виното - началото на Евхаристията.

Интересен факт е, че Леонардо експериментира с техниката - рисува върху суха стена вместо върху мокра мазилка, за да има повече време за детайли. Това обаче се оказва фатално за трайността на фреската, която започва да се руши само няколко десетилетия по-късно. Преживяла е влага, реставрации, войни - включително бомбардировка по време на Втората световна война. Днес виждаме само фрагменти от оригинала, но дори и така - въздействието ѝ остава смайващо.

Тайната вечеря е визуален кодекс на християнството, натоварен със символика:
- Хлябът и виното - символи на тялото и кръвта Христови, които поставят началото на тайнството Причастие.
- Групиране на учениците по тройки - намек за Светата Троица.
- Юда без ореол - отличителен знак в много изображения.
- Светлината около Христос - не просто осветление, а ореол от смисъл.

В източноправославната иконография сцената е тържествена и статична - с ясно очертана йерархия и централна фигура в Христос. В западната традиция - особено след Ренесанса - тя става емоционално и композиционно много по-динамична.

Освен най-известната "Тайна вечеря" на Леонардо, сред художниците, които са изобразили този епизод, фигурира и Джото. Неговата едноименна фреска е достъпна в цикъла на "Cappella degli Scrovegni" в Падуа. Темата за Тайната вечеря винаги е била много близка и на художниците на свещени икони.

"Разпятието" от Джото

Кръстът е основният символ на християнството. В него е заключена тайната на Спасението: изключителната жертва, направена от Господ, за да изкупи цялото човечество от първородния грях. В него е цялата му скръб, цялата му безмерна любов. Дори темата за Разпятието се повтаря в историята на изкуството още от древността, както в картини, така и в скулптури.

Можем да си спомним например за готическото изкуство, за прекрасните картини на Чимабуе, за гръцките и руските икони, но също и за Масачо, Мантеня, Ван Ейк, та чак до бароковото изкуство с Веласкес, Гоя и Рембранд. По-специално, "Изкачването на Голгота", фреска, реализирана от Джото между 1303 и 1305 г., показва цялото отчаяние на ангелите и на Дева Мария, като смесва човешката скръб, идваща от трагичното събитие, с небесната.

"Погребването на Христос" от Караваджо

Картината "Погребението на Христос" от Караваджо (1603–1604)

Погребението на Христос е докоснало дълбоко много художници, които са изобразили сцената с множество интерпретации, станали легендарни.

Тя изобразява момента, в който тялото на Христос е свалено от Кръста и е прието в грижовните обятия на любящите го хора. Не можем да пропуснем прочутите скулптури на Бенедето Антелами, които се съхраняват в катедралата на Парма, или за картините на Беато Анджелико, Рубенс и Караваджо.

Последният е нарисувал версия на Погребението на Христос, която ни напомня "Пиета" на Микеланджело както с позите на някои фигури, така и с богатството от детайли.

"Оплакването на мъртвия Христос" от Мантеня

"Оплакването на мъртвия Христос" от Мантеня

Дори иконографията на мъртвия Христос, прославена от Мантеня, е оставила следа в залата на славата на свещеното изкуство. Мантеня изобразява Христос с революционна перспектива, предизвикваща забележително емоционално въздействие. От друга гледна точка, Покритият Христос, съхраняван в Капела ди Сан Северо в Неапол, предлага различна, по-загадъчна перспектива.

"Пиета" на Микеланджело и "оплакването на Христос" на Джото

"Пиета" на Микеланджело (1449) Снимка: iStock by Getty Images

Когато говорим за "Пиета", имаме предвид една конкретна рефигурация на Дева Мария, която носи в ръцете си мъртвото тяло на Христос, току-що свалено от кръста.

От Средновековието насам Пиета е набожна тема, много важна за северноевропейското изкуство. Тя е известна с посвещението на Микеланджело, който превръща твърдостта на фигурите и суровостта на северните лица в шедьовър на ренесансовата любов и красота. Неговата Ватиканска Пиета, създадена през 1449 г. е едно от най-известните произведения на изкуството на всички времена. 

Докато Великден говори за възкресението, Пиетата е предишният кадър - тази трагична пауза между смъртта и надеждата. Тя не крещи. Тя не драматизира. Тя мълчи - и в това мълчание се съдържа цялата сила на човешката болка и божественото смирение.

Сцената, вдъхновена от евангелските описания на свалянето на Исус от кръста, е класически мотив в западното изкуство. Но Микеланджело я издига до нещо безвремево - съчетание на трагедия, нежност, идеал и святост.

"Разпятието" от Джото Снимка: iStock by Getty Images

Освен Микеланджело, Джото също е успял да предаде затрогващата и ужасно човешка драма на Мария, наведена над тялото на сина си. 

През 1497 г., едва 22-годишен, Микеланджело получава поръчка от френския кардинал Жан Билер де Лагрола - Пиета, предназначена за гробницата му в базиликата "Свети Петър" във Ватикана. Две години по-късно, през 1499 г., Рим е онемял. Пред очите на вярващите и поклонниците се появява нещо невиждано - мраморна визия за страданието, която изглежда по-жива от самия живот.

Микеланджело използва един-единствен блок бял мрамор от Карара - материал, известен със своята чистота и "прозрачност". Самият той казва, че не създава скулптура, а "освобождава формата от камъка". 

При първия поглед човек остава без дъх. Младата Богородица, със спокойно и съзерцателно лице, държи безжизненото тяло на своя син, положено в скута ѝ. Лицето ѝ е младо - почти момичешко. Това не е грешка, а символичен избор: Мария е вечната чистота, духовната майка на човечеството.

Исус изглежда отпуснат, но не изтерзан - Микеланджело избягва кървавите подробности, за да подчертае свещеното и кроткото в жертвата. Драпериите на одеждите са изваяни с математическа прецизност, но създават усещане за мекота и топлина.

Пирамидалната композиция води погледа от тялото на Христос към лицето на Богородица - движение, което сякаш подтиква към съпреживяване. Любопитен факт е, че това е единствената скулптура, която Микеланджело някога подписва. След като чул, че някои приписват творбата на друг, той гравира името си върху презрамката на дрехата на Мария: "MICHEL ANGELVS BONAROTVS FLORENT FACIEBAT" - "Микеланджело Буонароти, флорентинец, го сътвори". По-късно съжалява за тази проява на гордост и никога повече не подписва творба.

В Пиетата има духовна тишина, но и огромно вътрешно напрежение. Скулптурата не просто представя майка, загубила сина си - тя представя света, загубил своя Спасител. И въпреки това - лицето на Мария не е изкривено от болка, а спокойно. Това не е отчаяние, а приемане. Богословите я тълкуват като символ на състрадание и вяра, философите - като образ на вечната жена, която носи страданието на човечеството, а обикновеният човек - като молитва без думи.

Днес оригиналът се намира в базиликата "Свети Петър" във Ватикана, защитен зад бронирано стъкло, след като през 1972 г. психически нестабилен посетител нанася щети по лицето и ръката на Богородица с чук.

Съществуват десетки копия по света - в катедрали, музеи и частни колекции. Но нито едно не успява да улови съчетанието между мъка и хармония, което излъчва оригиналът.

Възкресението, видяно от Тициан, Рафаело и Рубенс и Пиеро дела Франческа

Възкресение Христово от Тициан, около 1540 -1544 г. Снимка: Getty Images

Възкресението е моментът на триумфа на Исус. То е изпълнението на Неговата мисия, победата Му над мрака и смъртта, която освобождава хората от греха и отваря вратата на рая за Новия завет.

Майстори като Тициан, Рафаело, Рубенс са създали шедьоври, вдъхновени от възкръсналия Христос. Всеки от тях им е внушил своите лични дълбоки емоции и безсмислена духовна загриженост.

Малко сцени в изкуството носят такава сила, дълбочина и обещание, както Възкресението на Христос. Това е моментът, в който тишината на гроба се превръща в песен на вечния живот. Мигът, в който болката от петъка отстъпва пред славата на неделята. В историята на изкуството този мотив е интерпретиран хиляди пъти - но малцина са го направили така проникновено и различно, както Пиеро дела Франческа и Тициан.

Пиеро дела Франческа: възкресение в съвършен покой

В малкия тоскански град Сансеполкро, в градската община, се намира едно от най-внушителните изображения на Христовото възкресение - "Възкресение" на Пиеро дела Франческа (ок. 1460). Сцената е проста, но въздействаща: Христос, със знамето на победата над смъртта, излиза от саркофага. Очите Му са отворени, пронизващи. Лицето - спокойно, почти строго. Под Него - четирима спящи войници, обърнати в различни посоки. Живото и мъртвото са разделени не само визуално, но и концептуално. Любопитен факт е, че един от войниците е автопортрет на самия Пиеро.

"Възкресението" от Пиеро дела Франческа (ок. 1415-1492) Снимка: Getty Images

Още по-интересна е пейзажната символика: от едната страна на Христос - дървета без листа, зимна пустота; от другата - зеленина и възраждане. Самият художник буквално "разрязва" платното по оста "смърт-живот". Това не е сцена на екстаз, а на тиха победа - възкресение не чрез чудо, а чрез неизбежност.

Джорджо Вазари казва, че хората в Сансеполкро са убедени, че тяхното селище няма да бъде разрушено никога, защото в него се намира това изображение на Възкръсналия. През Втората световна война командирът на британската армия - Ханри Мур - заповядва да не се бомбардира града, само за да запази фреската на Пиеро.

Около век по-късно, в съвсем друг живописен език, Тициан създава своето "Възкресение Христово" (1550-1560). Тук Христос е динамичен, обгърнат от вихрушка от светлина и енергия. Няма строгост, има движение. Христос се издига нагоре, над изумените стражи, с поглед, устремен към небето.

Тук вече не говорим за спокойна тържественост, а за бароково предчувствие - експлозия от цветове и израз. Светлината не просто осветява - тя пробива платното, извира от самата фигура на Спасителя. Възкресението при Тициан е триумф, божествено събитие, което надхвърля реалното и навлиза в мистичното.

Лицата на войниците са обърнати нагоре - заслепени от сиянието. Един от тях е паднал, друг закрива очите си. Христос е почти в полет, обграден от златисти лъчи и драматичен контраст между светлина и сянка. Това е възкресение, което не се "разказва", а се изживява.

Какво свързва тези две толкова различни визии?

Пиеро ни предлага възкресението като философска истина - съзерцание, съвършенство на формата и симетрията. Тициан ни дава възкресението като емоционална истина - експлозия от цвят и преживяване. И в двата случая, обаче, Христос не просто се издига от гроба - той издига света с Него. Тези творби не са само за вярващите. Те са за всички, които някога са изпитали загуба, тъга, безпътица - и са търсили светлина.

Възкресението на Христос (1520-1522) от Тициан - детайл от централния панел на олтара на Аверолди в църквата Sant'Inaza Roe Celso в Бреша, Северна Италия. Възкресението на Христос (1520-1522) от Тициан - детайл от централния панел на олтара на Аверолди в църквата Sant'Inaza Roe Celso в Бреша, Северна Италия. Снимка: Getty Images

Символика: знамето, гробницата и възкръсналото тяло

В повечето изображения на Възкресението - особено след XIV век - Христос е изобразен с бяло знаме, пресечено с червен кръст. Това не е просто флаг - това е знамето на победата над смъртта, традиционно наричано vexillum crucis (знаме на кръста). Войните носят знамена, когато печелят битка. Христос излиза от гроба не като бягал, а като триумфирал - цар, който е победил ада със силата на жертвата си.

Гробницата също има значение. В западната живопис тя често е каменно саркофагоподобно корито, символ на мъртвостта и тежестта на смъртта. При Пиеро тя е по-реална, стабилна, поставена в центъра. При Тициан - гробницата почти се размива в светлината, защото смъртта вече не е важна - тя е преодоляна, надмогната.

Постурата на Христос също е заредена със символика. В изкуството Той рядко е представен в екзалтирана еуфория. По-често - с повдигната ръка, спокоен поглед, с тяло между земята и небето. Това е тяло, което не се връща в живота, а вече принадлежи на друг свят - свят на светлината, обещание за вечното. Позата му винаги е доказателство, че смъртта не е край, а начало.